Jacinto Salcedo
Diseñador Gráfico / Graphic Designer
Profesor de Historia del Diseño Gráfico en ProDiseño
Rolinera, el paradigma de que la forma sigue a la función. Cartel de la exposición Machine Art. Por Josef Albert, 1927.
Por Jacinto Salcedo
La Frontera Real
La diatriba de si el diseño es un arte o un oficio ha estado presente desde que se instrumentaron los procesos industriales. Así con frecuencia se recurren a términos como «arte aplicado» o «arte decorativo» para hablar de la intervención del artista o estilista, donde pareciera entenderse que se trata de un adosamiento.
Cada vez entendemos al diseño como un factor determinante en la producción, donde la intervención en la configuración -desde un logotipo hasta un carro- toma en cuenta aspectos como los materiales, los usuarios, la percepción, el mercado y los mensajes. El buen diseño considera las tres «E»: economía (costos), eficiencia (funcionalidad) y estética (forma). Si esta trilogía no se respeta estamos en presencia de un diseño no resuelto.
En el caso del arte no necesariamente se valoriza, por ejemplo, su eficiencia comunicacional (a veces sólo los «elegidos» entienden la obra de arte) o no es tomada en cuenta su economía (mientras más caros sean los materiales que se usan o si el autor es cotizado mayor será su precio).
Si bien existen algunos diseñadores que transitan en el campo del arte con facilidad (y viceversa), hay muchos otros que no lo hacen. Podría afirmar con vehemencia que existen excelentes diseñadores que son malos artistas o excelentes artistas que son malos diseñadores.
Mapa-Diagrama del Metro de Londres, Henry Beck, 1931.
Yendo incluso más allá, la historia nos ha demostrado que diseños que son considerados hoy como hitos fueron hechos por profesionales de otras disciplinas. Tal es el caso Henry Beck un electricista que diseñó el mapa del Metro de Londres o la última «prima donna» del diseño gráfico como lo es David Carson quien es surfista y sociólogo.
Decir que entre el diseño y el arte no hay fronteras hoy en día es una verdad tan solapada como asumir esa máxima de los años 30 de la Bauhaus que la forma sigue a la función.
Si hay algo nos aportó el movimiento postmoderno, sobre todo a partir de los años 80, es la humanización del diseño a través de la expresión personal. Hemos entendido que el diseño es una actividad humana y la pretensión de la objetividad, en tanto entendimiento universal, ha sido complementada con una visión personal o grupal, como un aporte cultural.
Los avances de la lingüística y particularmente la semiótica, han permitido dotar al diseño de contenidos metafóricos propios de la comunicación humana aportando niveles de lectura. Ya no se trata solamente de que un diseño funcione, que los materiales estén adecuadamente utilizados y optimizados los procesos constructivos. Ahora se habla de un compromiso: representar aspiraciones y deseos que relacionados con el gusto, que se traducen en confort y mejor calidad de vida. En algunos casos mueven ideologías en otros volúmenes de ventas.
El diseño «de autor» se ha democratizado en tanto es una ofrenda de tolerancia y respeto a los estilos de vida. Inclusive ya la publicidad trabaja sobre mercados menos integrados y menos globalizados.
Mother & Child. Pieza maestra del diseño conceptual. Por Herb Lubalin, 1967.
El uso de las computadoras ha colocado a la nueva generación de diseñadores en una encrucijada: la de reinterpretar los medios. La televisión, la internet y los impresos han sido cuestionados y reevaluados, han tomado elementos semánticos unos de otros. Hoy en día no se conciben medios de comunicación sin diseñadores.
Benetton, la publicidad aprovecha la oportunidad de romper paradigmas como el racismo, por Oliviero Toscani, 1990.
La frontera virtual
Si entendemos a la computadora como una herramienta podríamos asumir que cualquiera que utilice un programa gráfico es un diseñador, cualquiera que utilice un procesador de palabras es un escritor y el que use una hoja de cálculo es un administrador. Mientras si entendemos que los fenómenos tecnológicos -cuales quiera que sean- poseen elementos discursivos propios podremos utilizarlos como lenguaje ya sea en el arte o en el diseño.
El uso del lápiz que le da el escritor o el administrador es totalmente distinto al que le da un dibujante. Mientras los primeros ven solamente una herramienta el último ve posibilidades expresivas: valores, intensidades, tonos.
The End of Print, El libro-manifiesto de David Carson en la era del diseño digital, 1995.
La difusión de los computadores personales trajeron nuevos elementos expresivos. Los softwares tanto de manipulación de imágenes, diagramación, dibujo (2D y 3D), de diseño tipográfico, animaciones y edición permitieron nuevos discursos utilizados a discreción tanto por artistas como por diseñadores.
El asunto de la frontera entre el arte y el diseño va más allá del uso de un medio como podría ser la computadora y la revolución que ha implicado al hacer los procesos más expeditos, autónomos y al permitirnos muchos elementos expresivos en una misma máquina. El fin último del arte y del diseño, así como su metodología y consideraciones, son muy diferentes.
No podemos negar que diseño y arte tienen elementos en común. Hemos visto últimamente como artistas trabajan con medios tan disímiles como el video arte, el land art, la modificación de sus cuerpos, las instalaciones y performances. Algunos efectivamente trabajan en la intervención de los medios de comunicación y el diseño gráfico o industrial, inclusive desde sus Macintosh G4.
Podríamos concluir que en términos de arte y diseño son fines distintos y medios parecidos. Incluso para avivar la llama de la polémica nos atrevemos a preguntar: ¿no será que el diseño es el arte de nuestra época?
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